Maria Diez Serrat
1980 Barcelona
Licenciada en Arquitectura por la Escuela Tècnica Superior de Barcelona (2007)
Graduada en Joyería Artística en la Escuela Massana de Barcelona (2013), donde desde del 2013 imparte clases en el Grado Univestitario de Arte y Diseño (UAB).
Ha cursado el Máster de Producción e Investigación artística en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona (UB) (2015), en la que defendió su tesis doctoral en el programa de doctorado en Estudios Avanzados en Producciones Artísticas (2019).
Como joyera ha formado parte de los colectivos Joyas Sensacionales (2012-2015) y del colectivo Quars d’una (2013-2017). Ha participado en diversas exposiciones colectivas a nivel nacional e internacional y fue seleccionada como finalista en el premio “Schmuck 2015”.
→日本語
マリア・ディエス・セッラット
1980年 バルセロナ(スペイン)出身
2007年 Barcelona School of Architecture 建築学士号、バルセロナ、スペイン
2013年 Massana School アーティスティックジュエリー科卒業、バルセロナ、
スペイン
2013年〜 UAB(バルセロナ自治大学)Degree in art and design教師、
バルセロナ、スペイン
2015年 UB(バルセロナ大学) Production and Artistic Research修士号、
バルセロナ、スペイン
2019年 UB(バルセロナ大学) Advanced Studies in Artistic Production博士号、 バルセロナ、スペイン
2015年 Schmuck ファイナリスト
2013年〜2017年 Quars d’una(ジュエリー作家グループ) 所属
2012年〜2015年 Joyas Sensacionales(ジュエリー作家グループ) 所属
ジュエリー作家 マリア・ディエス・セラット
西日訳・編集 貝原奈積(CJEX/ RESOURCES企画)
2021年3月
Joyera Maria Diez Serrat
Text: Maria Diez Serrat/ Redacción: Natsumi Kaihara(CJEX/ Coordinadora de RESOURCES)
Publicado Marzo 2021
Jeweler Maria Diez Serrat
Translated Spanish into English / Editor: Natsumi Kaihara(CJEX/ Planner of RESOURCES)
Published March 2021
ー ¿Qué te llevó al mundo de la joyería artística?
Desde pequeña que me fijaba en las joyas y las producía con cualquier material que encontraba. Estudié Arquitectura y entremedio hice algún curso de técnica básica que me sirvió para crear una marca de joyas que vendía a través de varias tiendas.
Un día fui a la presentación de los proyectos finales del ciclo de Joyería en la Escuela Massana y me quedé fascinada. Nunca había visto joyas hechas con materiales y formas tan diversas.
Tuve claro que quería estudiar allí. En aquél momento tenía treinta años.
Encontrarme con profesores como Ramón Puig, Silvia Walz o Carles Codina entre otros, fue una gran suerte. Me transfirieron su pasión y me enseñaron a pensar más allá de la parte estética de una joya. Así es como me introduje en el ámbito artístico, que sigo explorando actualmente también des de la escultura.
ー Comparte detalles sobre tu creación, por favor.
Mi proceso de creación empieza directamente con el material, no hay dibujos ni maquetas
previas. No me interesa pensar en formas preestablecidas y proyectadas que yo impongo
a la materia. Para hablar de las piezas que hago es inevitable hablar del proceso. Cada pieza es fruto de un conjunto de acciones aplicadas al material, un proceso lleno de accidentes, errores…
Creo que la experiencia que se va acumulando en la misma pieza mientras la hago es lo que le va dando vida. Cada vez coge más interés el contacto directo con el material. En este caso he trabajado con una lámina de plata pura de tan solo 0,1 mm. Esto me ha permitido trabajar con las manos, manipular y modelar directamente, comprender con el tacto la ductilidad que ofrece la plata.
ー Sobre cambios en el formato o estilo
Al inicio mis piezas se caracterizaban por ser bidimensionales, y siempre había alguna imagen figurativa. Elementos cotidianos como tazas, sillas, teteras, cajoneras… Con el tiempo me cansé de estos elementos pues ofrecían lecturas muy cerradas, o literales. Me fui quedando con la parte abstracta del fondo, normalmente hecha con esmaltes, mezclado con pátinas varias. Eran piezas muy pictóricas. Quizá el hecho de que posteriormente estudié un Máster y Doctorado en Bellas Artes y me inicié en la escultura influyó en mi interés hacia el volumen. La imagen bidimensional actualmente me parece distante, no me interpela corporalmente tanto como el volumen. Pienso en que la joya actúe como un cuerpo más que se añade al nuestro, no que represente alguna cosa.
ー Sobre tus piezas actuales
La colección de piezas “Plata Soplada” son una novedad respeto al recorrido anterior. En las joyas artísticas hechas hasta el momento no había trabajado en plata, y sin embargo esta vez quise volver al origen de mi aprendizaje en joyería. Conocer el material en estado puro, sin aleaciones. La plata sin el cobre es mas blanda y quise llevar este hecho al límite, trabajar con la lámina más delgada de todas (0,1mm). Lo que me hacía avanzar en el proceso era simplemente interactuar con sus propiedades intrínsecas, buscando un estado inédito de la plata, diferente al habitual. Dejando atrás cualquier referencia de técnica o conocimiento previo. El metal en general se percibe como un material duro y difícil de trabajar. Busqué la manera de llevar esto al extremo contrario y ofrecer su versión más blanda y frágil. Con las manos y la ayuda de los embutidores conseguí que la lámina de metal fuera cogiendo estos volúmenes extraños, que parecen llenos de aire.
ー Cuáles son mensajes que quieres que reciban los espectadores a través de tu trabajo.
No pretendo controlar el mensaje conceptual que les llega, porqué tampoco es el motor de mi proceso creativo. Es decir, no empiezo con una idea cerrada, no proyecto una pieza final para transmitir un mensaje concreto. Busco una especie de resonancia física entre la pieza y el espectador. Aunque bien pensado no me gusta decir espectador, más bien el receptor de la joya, o mas bien el portador. A veces en el ámbito de la Joyería artística perdemos de vista -yo la primera-, que las joyas no son JOYAS hasta que no son llevadas. Si su destino es estar solo expuestas pierden su razón de ser.
Por lo tanto, volviendo a la pregunta, lo que al final quiero es que una persona -con una basta-
se enamore de la pieza, pensando que la quiere llevar puesta. A partir de aquí la pieza es suya, y el significado y el valor final lo dará ella.
ー Perspectiva de aquí en adelante
El reto que tengo de ahora en adelante es hacer piezas de joyería mas portables. Mi necesidad de expresarme con el material me lleva a crear piezas grandes, y muchas veces frágiles. De esta manera el límite entre joya y pequeño objeto escultórico es muy difuso. También la mayoría acaban siendo broches, una modalidad de joya que queda un poco exenta del cuerpo del portador. Tengo el objetivo de que haya más contacto y diálogo entre el sujeto y el objeto.
ー What brought you to the world of artistic jewelry?
Since I was a little girl I was interested in jewels and I created them with whatever material I could find. Firstly, I studied architecture and in between I did a course on basic jewelry techniques. After that, I founded a brand on silver jewelry that allowed me selling my pieces through various stores.
One day I went to Escola Massana to the presentation of the final projects of the Jewelry cycle and I was fascinated. I have never seen jewelry made with such diverse materials and shapes. After that, it was clear to me that I wanted to study there. It happened when I was thirty years old. Then, after enrolling in the jewelry program at Escola Massana I met teachers like Ramón Puig, Silvia Walz or Carles Codina among others, which was a great luck. They transferred me their passion for jewelry and taught me to think beyond the aesthetic dimension of a jewel. This is how I got into the artistic field, in which I continue exploring today also from sculpture.
ー Please share details about your creation.
My creation process begins directly with the material, there are no previous drawings or models.
I am not interested in pre-established or projected forms that I could impose on matter. Talking about the pieces I make is also talking about the process that I follow for making them. Each piece is the result of a set of actions applied to the material, a process full of accidents, mistakes... I think that the experience accumulated in the process of making each piece is what it gives its life. Also direct contact with the materials used takes more and more interest for me. In this case I have worked with a pure silver sheet of only 0.1 mm. This has allowed me to work with my hands, manipulating and modeling directly each piece. In other words, it allows me
to understanding, by touching the piece, the ductility that silver offers.
ー About changes in the format of your pieces or style
At the beginning, my pieces were characterized by being two-dimensional, and there was always some figurative images in them. I started by representing everyday items such as cups, chairs, teapots, drawers and many others. Over time I got tired of these items because they offered very closed –or even literal– readings. I was left with the abstract part of the background of the objects, usually made with enamels mixed with various patinas. They were very pictorial pieces. Perhaps the fact that I later studied a Master's and a Ph.D. in Fine Arts and started working on sculpture influenced my interest in volume. The two-dimensional image currently seems distant to me, it does not challenge me as much as volume does. I think that the jewel in itself acts as a body that is added to ours, not something different that represents something else.
ー Tell us about your current pieces.
The pieces of "Silver Blown" collection are a novelty compared to my previous work. In my previous collections I had not worked with silver, and yet this time I wanted to go back to the origin of my apprenticeship in jewelry: knowing the material in its pure state, without alloys. Silver without copper is softer and I wanted to take this to the limit, working with the thinnest sheet of all (0.1mm). Thus, what made me advance in the process of creation was the simply interaction with the intrinsic properties of silver, seeking an unprecedented state of it, different from the usual one, leaving also behind any technical reference or prior knowledge. Metal in general is perceived as hard and difficult to work with. For that reason, I looked for a way to take this to the opposite extreme and offer its softer and more fragile version. With my hands and the
help of the stuffers, I managed to get that the silver sheet catch these strange volumes, which make that each piece seem full of air.
ー What are the messages you want viewers/user to receive through your work?
I'm especially interested in the receiver. I do not pretend to control the conceptual message that reaches them because that is not the purpose of my creative process either. That is, I do not start with a closed idea, I do not project a final piece to transmit a specific message. I am looking for a kind of physical resonance between the piece and the viewer. Although, well thought out, I do not like to say viewer, rather ‘the receiver’ of the jewel, and ultimately, the wearer. Sometimes, in the field of artistic jewelry, we lose sight –me the first– that jewels are not jewels until they are worn. If the destiny of the pieces is to be only exposed, they lose their essence. Therefore, returning to the question, what in the end I want is that people –even one only person is enough for me– fall in love with the piece, thinking that they want to wear it. From here on, the pieces is theirs, and the meaning and final value will be given by them.
ー Future perspectives
The challenge I have from now on is to make more portable pieces. Let me explain it: my need to express myself with materials leads me to create big pieces, and often fragile. In this way, the boundary between a jewel and a small sculptural object is very diffuse. Most of the jewelry pieces also end up being brooches, which in the end is a type of jewel that is not completely free from the wearer's body. My goal is to find the way to make possible more contact and dialogue between the subject and the object.
ーー なぜコンテンポラリージュエリーの世界へ
幼い頃からジュエリーに興味を持ち、目に留まったあらゆる素材でジュエリーを作っていました。
建築を勉強する間、ジュエリーの基本テクニックコースをいくつか受講しました。そこで得た技術を元にジュエリーブランドを立ち上げ、様々なお店を通し販売していました。
ある時マッサーナ(美術専門学校)のジュエリー科の卒業制作発表へ行き、私はすっかり魅了されました。あんなにも多様な形と素材のジュエリーは、今まで一度も見たことがありませんでした。ここで学びたいと決意した当時私は30歳でした。
とりわけ幸運だったのは、ラモン・プイ、シルビア・ワルツやカルラス・クディナを代表するような教授達との出会いです。教授達は私に制作に対する情熱を伝導し、ジュエリーの姿のその先について考えることを教えてくれました。このようにして私はアートの分野に入り、今も引き続き探求を続けると共に、彫刻からもアプローチをしています。
ーー 制作について聴かせてください。
私の制作は先立つ絵も模型もなく、直接素材を取り扱うことから始まります。事前に形を考え設計し、それを素材に押し付けることに興味は有りません。
私の作品を語る上で「プロセス」は欠かせません。たくさんのアクシデントと失敗からなるプロセス、素材に加えた数々のアクションが実を結びそれぞれの作品になります。制作時に作品に蓄積されるプロセスというこの経験が、その作品に命を吹き込むのだと思います。
直接素材を扱うことになお一層の興味が湧いています。今回はわずか０.１mmの純銀板材を用い制作しました。この素材は素手での作業、直接的な取り扱いや形作りを可能にし、銀の延性を感触により理解させてくれました。
ーー 作品のスタイルやフォルムの変化について
私の初期の作品は、平面的で常に具象的なイメージがあるのが特徴でした。日常的なエレメントである、カップや椅子、ティーポット、引き出しなどです。やがて、イメージそのままの解釈、狭い解釈へと導くこれらのエレメントに辟易して行きました。そして徐々に作品の抽象的な部分、普段七宝と様々な腐食効果を用い制作していた背景に落ち着く事になりました。あれらはとても絵画的な作品でした。
おそらく後にファインアートの学士とマスターを学んだ事、彫刻を始めた事が影響し、現在のボリュームへの興味に繋がったと思います。今は平面イメージに対してボリュームに対する様なやりがいは感じません。
ジュエリーは何かを表し象徴する物ではなく、私たちの身体にプラス補足される体の様な役割を果たすと考えています。
ーー 現在の作品について教えてください。
これまでと比較すると「Plata Soplada(膨らんだシルバー)」コレクションは新しい作風です。今までアーティスティックジュエリーに銀を用いたことは有りませんでしたが、今回は私の原点であるジュエリー修習に立ち帰りたかったのです。
合金ではない純粋な状態の素材を知ること。銅が含まれないと銀はさらに柔らかく、これを限界へ、もっとも薄い板材(0.1mm)を用い制作したかったのです。普段とは違う銀の新奇な状態を探ること、シンプルに固有の特性と触れ合うことでプロセスは推進しました。あらゆる参考技術や予備知識と距離をとりました。
普段金属は硬い素材であり扱い辛いと認識されています。私はこの認識を対極へ持っていく方法を、もっとも柔らくもろいバージョンを示す方法を探しました。手と矢坊主の助けで、この金属板材にまるで空気をいっぱいに含んだ様な奇妙なボリュームをつけていくことが出来ました。
ーー 作品を通し感じてもらいたいことやメッセージはありますか。
鑑賞者へ向けたコンセプチュアルなメッセージを操作するつもりはなく、またそれは私の創造プロセスの原動力でもありません。つまり、具体的なメッセージを伝える為に作品の最終形を計画する事はなく、限定されたアイデアから制作を始める事もありません。
作品と鑑賞者の間に物理的なある種の共鳴を探します。とはいえ、よくよく考えると鑑賞者という言い方は好みません。むしろジュエリーの受け手、もしくは着け手がしっくりきます。
しばしば私を含めアーティスティックジュエリーの分野において、ジュエリーは身に付けるまでジュエリーではない という事を見失ってしまいます。もしジュエリーが展示されるだけの運命なら、ジュエリーである意味を失うのです。したがって質問に戻ると、最終的に誰か一人でもその作品を身に付けたいと想い、その作品に恋をして欲しいです。その時から作品はその人の物であり、作品の意味と最終的な価値はその人が与えます。
ーー 今後の展望を聴かせてください。
この先もっと身に付け易いジュエリー作品に挑戦したいと思っています。
素材を用い表現するとう欲求は、より大きな作品、多くの場合壊れやすい作品創りへと私を導きました。この場合ジュエリーと小さな建築的オブジェクトの境界はとても曖昧です。また大半の作品は結局、身に付ける人の体と少し切り離された形式のジュエリーであるブローチになります。
今後は、人と物の間により多くの対話とフィジカルコンタクトのある物作りを目標にしています。